Frau Meyer, Sie spielen seit Jahrzehnten überall auf der Welt das Mozart-Klarinettenkonzert. Wie kann man das immer wieder frisch und spannend interpretieren?

Sabine Meyer: Ich spiele es natürlich immer wieder in einem anderen Ambiente, in einer anderen Akustik und mit ganz verschiedenen Dirigenten. Aber das ist nur die äusserliche Seite. Auf der Bühne möchte ich mit Leib und Seele musizieren. Mozarts Klarinettenkonzert ist kammermusikalisch gehalten und doch sehr dicht. Und es gibt auch nach Jahren immer wieder Neues und Faszinierendes zu entdecken. Dass dieses Stück bei aller Perfektion stets frisch und musikantisch über die Bühne kommt, das ist mein täglicher Anspruch. Und mit der langen Beschäftigung mit einem Meisterwerk wird das Stück in keiner Weise einfacher.

Vor dreissig Jahren verlor Herbert von Karajan den Kampf gegen die Berliner Philharmoniker, als er Sie gegen den Willen des Orchesters als Soloklarinettistin und einzige Frau engagiert hat.

Meyer: Oh je, das ist lange her, und ich möchte mich hier nicht mehr erneut über diese Geschichte ausbreiten. Nur so viel: Karajan hat damals viel Porzellan zerschlagen. Und es ging bei diesem Streit eigentlich gar nicht um mich oder die Musik, sondern es war nach vielen Jahren «Ehe» ein handfester Machtkampf zwischen ihm und dem Orchester.

Wie haben Sie ihn damals als Mensch wahrgenommen?

Meyer: Privat war er mit mir sehr hilfsbereit und menschlich. Das Bild, das wir uns von Maestros machen, ist ja oft verzerrt. Oft werden sie erst durch kritiklose Bewunderer zu Göttern gemacht. Für mich war das Engagement bei den Berliner Philharmonikern ja auch sehr anspruchsvoll. Wir haben oft zwei Programme pro Woche gespielt. Das hiess für mich unendlich viel Übarbeit.

Wie sieht es nach dreissig Jahren mit Frauen in der Musikwelt aus?

Meyer: Da hat sich natürlich sehr viel getan, auch wenn es beispielsweise in Prag immer noch ein Orchester gibt, in dem keine Frau sitzt, nicht einmal an der Harfe. Es ist wie in der Wirtschaft oder in der Politik: Wenn Sie als Frau eine Führungsposition wollen, müssen Sie auch in der Musik oft besser sein als Ihre Kollegen. Heute spielen viele Frauen im Orchester, zum Beispiel in der zweiten Geige. Aber wer besetzt die Konzertmeisterstellen?

Was geben Sie als gefragte Pädagogin Ihren Studentinnen und Studenten mit auf den Weg?

Meyer: Das Wichtigste ist, sich treu zu bleiben. Nur Virtuosität reicht nicht für eine Karriere. Ehrlichkeit und Konsequenz wird belohnt, das merkt auch das Publikum. Eine solide technische Ausbildung ist wichtig, es muss ein Fundament da sein, sonst kann man kein Hochhaus bauen. Beim Ton der Klarinette gehe ich immer vom Gesang aus. Das Instrument muss stets singen. Wenn jemand aber zu mir kommt und sagt: Ich will Solist werden, muss ich ihm sagen: Das kann man nicht «machen». Junge Klarinettisten müssen heutzutage kreativer sein und sich nach interessanten gemischten Ensembles umsehen, wo sie sich persönlich eine Nische schaffen können.

Bei Ihren Auftritten in Konstanz und Kreuzlingen dirigiert der Cellist Heinrich Schiff, mit dem Sie auch als Kammermusikpartner sehr viel Erfolg hatten.

Meyer: Heinrich Schiff ist ein hervorragender Dirigent und ein wunderbarer Musiker. Wir mögen uns sehr, wir sind musikalisch tief verbunden. Er arbeitet mit einem Orchester stets an einer genauen Artikulation und einer guten Phrasierung. Das kommt mir als Solistin natürlich sehr entgegen. Also einfach ein Mozart-Klarinettenkonzert mit einem Orchester, das irgendwo im Hintergrund begleitet, das gibt es bei Heinrich Schiff nicht.

Interview: Martin Preisser

KREUZLINGEN. «Es kommt aus der Zukunft und braucht seine Zeit», meint der junge Schweizer Künstler Raphael Linsi (*1982 in Zürich, lebt in Basel), der 2010 mit dem Bachelor of Fine Arts in Basel abgeschlossen hat. Er meinte nicht nur die Bilder, die er noch aufhängen will, und die drei Archivgestelle, die er noch nicht ganz ausgepackt hat. Er meint etwas Grundsätzliches im gesellschaftlichen Kunstgeschehen.

Neue Formen der Kooperation

Sein Weg führte über die künstlerische Zusammenarbeit mit Pedro Wirz (*1981 in São Paolo), der wie er in Basel studierte, zu neuen Formen der künstlerisch-kreativen Kooperation. Was in Basel zunächst belächelt wurde - nämlich «Wirzhaus»-Aktionen zu Hause und im schulischen Ausstellungsraum - führte weiter nach Berlin. Dort fanden sich beide wieder in einem grösseren Künstler-Projekt, den «Post Studio Tales», einer Art kollektiven Artist in Residence, bei dem 18 Künstler zusammen auf eigenen turmartigen Werkinseln wohnten und arbeiteten und sich in der Raummitte zum Austausch zusammenfinden konnten. Hier entstanden massgeblich die Ideen für das Kunstraumprojekt und eine neue Form kollektiver Arbeit.

So hat Pedro Wirz dort zehn Künstler rekrutiert, die aus seinem Bausatz aus einem immer gleichen Set an Holz-, Alu-, Stoff- und Schnurelementen je eigene kreative Lösungen zusammenbauten. Material und Farbigkeit hat Pedro Wirz auch teilweise kollektiv entwickeln lassen. Von diesen zehn Arbeiten wird Wirz eine Auswahl in Kreuzlingen zeigen - der kuratorische Aspekt seiner Arbeit - und auch eigene Lösungen beitragen - der kreative Aspekt. Die Begeisterung des Künstlers ist kaum zu bremsen, wenn er durch die Arbeit der Künstlerkollegen zu immer neuen Ideen angeregt wird und am liebsten gleich losbauen möchte. Doch noch steht die grosse Rauminstallation nicht.

Vermischte Rollen

Das Spannende an diesem Ansatz ist, dass sich bei der Ausstellung «Problems» die Rolle des Veranstalters, des Künstlers, des Kurators und manchmal auch des Kritikers mischen. Für das Künstlerduo in Kreuzlingen übernimmt John Beeson (Kunstkritiker aus den USA) auf Einladung der Künstler hin die Rolle des «Kunstschreibers»: Er verfasste den Pressetext, den Saaltext und hält die Einführung an der Vernissage.

Zunehmend entstehen Mischformen der Kunst, die auch von politischer Tragweite sind, werden Rollen erweitert und Kunst-Institutionen in Frage gestellt und die Mechanismen des Kunstmarktes aufgedeckt. Begonnen hat diese Bewegung mit den Sezessionen des 19. Jahrhunderts, wurde fortgeführt mit der für den Kunstmarkt zu sperrigen Landart und dauert an bis zu zeitgenössischer Concept Art.

In diese Richtung gehen die Aktivitäten der beiden in Kreuzlingen ausstellenden Künstler unter dem sehr offenen Titel «Problems». John Beeson wird den theoretischen Background in seiner Einführung liefern.

Die Kunst annektiert die Politik

Mit dem Phänomen der Verschmelzung von Funktionen haben wir einen aktuellen Trend in der Konsumgüterwelt vor uns. Hier geht es um Marktanteile und Kundenbindung, aber auch um neue Möglichkeiten. Mit dem Phänomen der Politisierung von Kunst hatten wir schon einmal im letzten Jahrhundert zu tun, wenn auch von oben. Diesmal ist es eine Kunstannexion der Politik durch die Künstler von unten.

Dies ist ein Trend der zeitgenössischen Kunst, der sich an verschiedenen Orten und in verschiedener Gestalt Bahn bricht: Als künstlerisch-politische Aktionen gibt es eine selbsternannte Kulturhauptstadt der Schweiz, es gibt einen Performance-Kulturminister der Schweiz, und die aktuelle Biennale in Berlin bietet der Occupy-Bewegung Aktionsraum. Eine Infragestellung der Institutionen, ein kreatives Suchen nach neuen kollektiven Formen, aber auch eine Gratwanderung der Gewaltenteilung, über die sich nicht zuletzt die Medien - angeregt durch Kunst oder nicht - ernsthafte Gedanken machen müssten.

Sie sind einer von sieben Autoren, die die Kolumne «Flügelschlag» in unserer Zeitung bestreiten. Welche der andern sechs kennen Sie?

Meier: Spuhler.

In einem Tagblatt-Beitrag im September 2009 sagten Sie, Sie hätten es bis vor kurzem abonniert gehabt. Jetzt erhalten Sie unsere Zeitung wieder?

Meier: Nein.

«Der nette Dieter Meier» stand als Titel über jenem Text. Würden Sie sich selber auch als «nett» bezeichnen, oder wie sonst?

Meier: Ich bezeichne mich nicht.

Boris Blank hat Sie in einem Interview als «extrovertiert» bezeichnet? Ist das eine Untertreibung?

Meier: Es ist eine Übertreibung. Wenn man Musik oder Gemüse verkauft, muss man an die Öffentlichkeit.

Sie sind als «Tausendsassa», «Bankierssohn», «schönster Schnauz der Schweiz» oder «ratternd rappende Yello-Hälfte» bezeichnet worden. Nerven Sie solche Etiketten?

Meier: Nein.

Geiger Tobias Preisig spielt in Ihrer Band «Out of Chaos» mit. In einem Interview hat er mir kürzlich gesagt, er müsse wie ein Sänger oder ein Bläser atmen. Wie atmet der Sänger Dieter Meier vor und während seinen Konzerten?

Meier: Ich trinke vor dem Konzert ein Bier und nach dem Konzert nochmal eins.

Haben Ihnen Fans den Schwenker vom Yello-Elektropop hin zu Blues und Jazz übel genommen?

Meier: Im Gegenteil, ich könnte mit «Out of Chaos» das ganze Jahr auf Tournée gehen.

Wer hatte die Idee zu Ihrem Rezital am Rheinfallfestival: der künstlerische Co-Leiter Beat Toniolo oder Sie?

Meier: Das ist unwichtig.

«Der Rheinfall singt», nennt es sich. Wie müssen wir das verstehen?

Meier: Die verschiedenen Geräusche des Rheinfalls werden von Andreas Bossard zu einer Klangskulptur verarbeitet.

Ihr Kinderbuch «Oskar Tiger» ist 2011 als eines der «Schönsten Schweizer Bücher» ausgezeichnet worden. Wie viel Einfluss hatten Sie auf die Gestaltung?

Meier: Franziska Burckhard ist eine wunderbare Künstlerin, wir haben sehr eng zusammengearbeitet.

Auf Ihrer Homepage sind unter «biography» neben Werken und Aktionen keine persönlichen Angaben zu finden. Warum nicht?

Meier: Die Privatperson Dieter Meier ist unwichtig.

Die Startseite zeigt drei Bücher. Definieren Sie sich über das, was Sie tun, oder wer Sie sind?

Meier: Jeder Mensch definiert sich über sein Tun.

Sie haben einmal gesagt: «Je älter man wird, desto mehr Spass muss man haben an dem, was man tut.» Fürchten Sie das Alter?

Meier: Das weiss ich nicht.

Wann setzen Sie sich als Künstler zur Ruhe?

Meier: Jeden Tag.

Und was kommt danach?

Meier: Ein Cervelat und ein kaltes Bier.

Nach welchen Grundsätzen haben Sie Ihr Leben gestaltet?

Meier: Sich möglichst selten verarschen zu lassen.

Interview: Dieter Langhart

«Sie hatte lange Zeit etwas Reizvolles, die Unproduktivität. Es war einfach, untätig zu sein. Es war schön, am Sonntagnachmittag im Bandraum zu sitzen und ein bisschen Musik zu machen. Wir hatten alle viel Spass daran», erklärt Keyboarder und Sänger Beat Schenk. Doch irgendwann begannen sie sich daran zu stören, dass bei den Proben nichts rausschaute, und änderten dies schlagartig. Um diese neue, produktivere Ära zu verdeutlichen, änderten sie ihren bisherigen Namen «Coffee Shot» in «The Old Gypsy Man's Hat». Nun wollten sie durchstarten und ihren Traum von einer Bühne, die gross genug ist, um darauf herumzurennen, verwirklichen.

Erster Videoclip in Arbeit

Noch sind Beat und seine Bandkollegen Alexander Grünig (Gitarre und Gesang) und Schlagzeuger Sascha Schwegler nicht so weit. Aber es geht in die richtige Richtung. Derzeit sind die drei Weinfelder dabei, ihren ersten Videoclip fertigzustellen, und freuen sich über Auftritte in der Region, etwa über diesen von heute abend bei Kultur im Shop in Kreuzlingen.

«Uns ist es nicht wichtig, ob wir vor zwei oder 200 Leuten spielen. Jeder Auftritt ist grossartig», sagt Alexander. Wichtig sei nur die Art des Publikums: «Wir haben lieber wenige Zuhörer, die dafür wegen der Musik kommen und auch gewisse Ansprüche stellen, anstatt 1000 Mädchen, die wegen uns da sind», betont Beat. Und das, obwohl er der Meinung ist, dass die Bühne ihn attraktiver mache.

Das Gerüst der Schülerband

Angefangen haben die drei ihre noch junge Musikerkarriere in der Oberstufe. «Wir waren sozusagen das Gerüst der Schülerband. Laufend kamen und gingen Mitglieder, nur wir waren immer dabei», erklärt Alexander. Damals konzentrierten sie sich auf Coverversionen bekannter Songs. «Weil wir viele Mädchen in der Band hatten und jeweils demokratisch abgestimmt wurde, welche Stücke man spielt, erhielten oftmals Songs wie <Moonlight Shadow> oder solche aus <Highschool Musical> eine grosse Mehrheit», seufzt Beat.

Spass habe es ihnen aber trotzdem gemacht. So dass sie nach der Schülerband unbedingt ihre eigene Band gründen wollten. Sie begannen Songs zu schreiben - über die kuriosesten Dinge dieser Welt. In einem Song beschreiben sie, wie ihre Zimmerwand ihr Leben wahrnimmt, und all das, was im Zimmer vor sich geht. Ein anderer beschreibt die Weltsicht einer Kartoffel. «Es ist ein trauriger Song, weil die Kartoffel in jungen Jahren bereits von ihrer Kartoffelfamilie getrennt wird, zumal alle anderen gekocht werden», erklärt Beat.

30 unfertige Songs

Manche würden sie wegen solcher Texte für verrückt halten, aber eigentlich seien sie einfach nur sehr kreativ, sagt Beat. Die Kreativität komme meist unverhofft, oft in den ungünstigsten Momenten. Etwa dann, wenn sie sich in den Proben vornehmen, nun endlich mal die fertigen Songs zu üben. «Dann kommen wir plötzlich in Experimentierlaune und fangen an, neue Lieder zu komponieren, die wir dann auch nicht zu Ende bringen», erklärt Beat. «Kein Wunder, haben wir etwa 30 angefangene Songs.» Trotzdem seien aber inzwischen ausreichend Songs fertig, um sie vor Publikum zu spielen.

Handwerk ohne Thurgau

Thomas Edison soll gesagt haben, die Innovation bestehe aus 99 Prozent Transpiration und einem Prozent Inspiration. Diese Erkenntnis leitet im Kunstmuseum Thurgau eine Ausstellung. Der Titel «10 000 Stunden meint den Zeitbedarf, den es für die Beherrschung eines Handwerks braucht. Die Beispiele von zwei Dutzend Kunstschaffenden erhellen, was sie von handwerklichen Werten halten.

In Galerien und Museen hängen ungezählte Werke, bei denen auf die Sorgfalt des Machens, das Wissen ums Material und die Anwendung der richtigen Technik gepfiffen wurde. Eine pfiffige Idee genügte. Dem Preis ohne Fleiss und Schweiss diente der Markt willig.

Jetzt wird das Handwerk wieder entdeckt als eine Voraussetzung auch fürs künstlerische Gelingen. Im französischen Handwerk, dem artisanat, steckt die art ja drin - und der artiste verweist wiederum aufs artisanat.

Sachkunde und Genauigkeit aus Berufsstolz gehören zu den Thurgauer Tugenden. Sie sind ein Erfolgsmodell. Solide Arbeit leisten auch Künstlerinnen und Künstler. Eine Auswahl ihrer kreativen Zeugnisse hätte der Rückbesinnung in Ittingen zusätzliches Interesse gebracht.

Doch aktuell fehlt im Kunstmuseum Thurgau die Museumskunst Thurgau. Selbstverständlich ist der Heimatschein kein Gutschein für eine Ausstellung. Es gilt die Qualität. Sie war offenbar diskutabel. Aber welche? Vielleicht war es die künstlerische; womöglich hätte das Museum neugieriger suchen sollen.

Thomas Edison definierte nicht nur die Innovation, sondern verbesserte auch die Glühlampen. Gutes Kunstlicht wäre also vorhanden, um im Thurgau häufiger Museumswürdiges zu finden.

Alex Bänninger

Knackiger Schnittsalat spriesst aus den zweimal zwölf Tellern, Gemüse und Erdbeeren wachsen heran, um die acht Stangen hoch werden sich Tomatenstauden ranken, sobald die Nächte milder sind.

Max Bottini giesst nicht nur das Grün, auch die Samen, aus denen zwischen den Gedecken und auf den Sitzflächen Rasen wächst.

Der Uesslinger Künstler hat Tisch und Stühle gezimmert und «eine Schnellbleiche als Gärtner» absolviert für seine Aktion Aus dem Tisch! Auf den Tisch! vor dem Naturmuseum in Frauenfeld. Weil wir kaum mehr wissen, woher unsere Nahrungsmittel stammen, will Bottini die Distanz zwischen Produzent und Konsument verringern. Alles, was sechs Köche am 25. August auf den Tisch zaubern, wächst hier.

Schauen Sie zu, reservieren Sie sich einen Platz, erwerben Sie nach der Kochaktion eines der signierten Möbelstücke. Und essen Sie nicht lauter Mangos aus Myanmar. (dl)

Eine einzige Baustelle! Aber der schwarze Bühnenraum leuchtet dunkelrot im Rücken und blau von der Decke. Kabelrollen und Farbeimer stehen herum, auf der Leiter schraubt ein Elektriker Leitungen an die Wand. Er ist nicht der einzige Handwerker auf der Baustelle in der alten Lokremise gleich hinter dem Bahnhof Frauenfeld. Es braucht Fachleute, und die Zeit drängt: In zwei Wochen geht die Theaterwerkstatt Gleis 5 auf. Einiges an Arbeit bleibt auch den vier Männern im Übergwändli noch, die sonst Theater machen.

Ex-Architekt baut die Tribüne

Joe Fenner hantiert mit Wasserwaage und Schraubenzieher. Er ist der richtige Mann, die Zuschauertribüne zusammenzubauen. Er war Architekt, dann belegte er den ersten Jahrgang an der Scuola Teatro Dimitri in Verscio - und baute dessen Zuschauertribüne. Das war vor mehr als dreissig Jahren.

Jahre nach ihm erlernten da auch Andrea Noce Noseda und die Romanshorner Simon Engeli und Giuseppe Spina ihr Handwerk. Die vier machen manches allein, vieles zu zweit, zu dritt, zu viert: Bewegungstheater, Musik, Regie (Engeli derzeit für «Frida Kahlo» am See-Burgtheater).

Zur Theaterwerkstatt Gleis 5 gehören auch Engelis Frau, die Puppenspielerin Rahel Wohlgensinger, sodann Miriam Chiara Di Natale, Juristin und Maskenbildnerin. Wo einst SBB-Mechaniker Loks und Waggons in Schuss hielten, entsteht eine Plattform für Kleinkunstprojekte und eine Werkstatt für Theaterproduktionen. Hier wird geplant und erarbeitet, von hier gehen Stücke hinaus ins Land auf Tournée. Dann ist Platz für andere; im Sommer etwa eine Gruppe der Zürcher Hochschule der Künste. «Das ist unsere Homebase», sagt Simon Engeli, «das gibt ein gutes Gefühl.» Giesst sich einen Pausentee ein, um gleich wieder mit anzupacken und fürs Foto vier Sessel in den Zuschauerraum zu hieven. Hundert dieser Stühle hat das Team von einem ausrangierten Theater in Verbagnia erhalten und bei Engelis Grossvater zwischengelagert; jetzt harren sie der Theaterdinge, die da kommen werden, und der Zuschauer, die das Gleis 5 gleich an vier Tagen erstmals willkommen heisst.

Ergänzung, nicht Konkurrenz

Wird sich die Theaterwerkstatt auch rechnen? Gönnerverein und Mailingliste wachsen, «und wir bieten eine Stuhlpatenschaft an», sagt Engeli. Der Kanton hat einen rechten Investitionsbeitrag aus dem Lotteriefonds beigesteuert; noch offen ist eine Leistungsvereinbarung. Die Stadt Frauenfeld steht ebenso hinter dem Projekt, das keine Konkurrenz zu Veranstaltern sein wird, sondern Ergänzung. «Wir sind kein Gastspielhaus», sagt Engeli, «bei allen Vorhaben besteht eine Verbindung zu den Teammitgliedern.» Und erwähnt gleich die nächsten Vorhaben: ein Jugendstück; das Sommerstück («Scapins Streiche» von Molière); als Co-Produktion mit dem Theater Stadelhofen das Kinderstück «Sultan und Kotzbrocken». Simon Engeli: «Den Titel dürfen wir nicht ändern - aber in Mundart übertragen. Dann wird er nicht mehr so hart klingen.»

Wie sie mich anlächeln, die Frauen: mit grossen Augen, rundum lange Wimpern, mit grossen Brüsten und zarten Gliedern, mit adretten Handtaschen, auch von Gutschi. Und wie sie mich lächeln machen: die Männer, noch dürrer, mit Stöckchen und Bällchen, die ihnen aus dem Schoss wachsen.

Herrlich sind die Frauen, und ein bisschen dämlich wirken die Männer, die Nelly Bührle-Anwander aus Papiermaché aufbaut: Schicht um Schicht, Anspielung um Anspielung. Die aus Bregenz stammende Künstlerin ist mit Jahrgang 1961 alt genug, um zu wissen, wie Männlein und Weiblein ticken, was sie aufeinander zugehen lässt und was sie voneinander trennt.

Comédie humaine

Die Galerie Artenuova in Amriswil zeigt eine recht repräsentative Schau von Skulpturen und Zeichnungen der Künstlerin, die ihre Umwelt und ihre Zeit genau beobachtet und sie wunderbar spiegelt: voller Ironie, aber nie hämisch; aus dem Hintergrund teilhabend, aber nie aus dem Hinterhalt schiessend.

Natürlich kommen die Männer bei einer Künstlerin nicht so gut weg wie die Frauen, aber das tut dem genüsslichen Betrachten der comédie humaine keinen Abbruch, die Nelly Bührle-Anwander vor uns ausbreitet wie auf einer Bühne. Schein und Sein stehen direkt nebeneinander, Statussymbole werden ab absurdum geführt mit Bezeichnungen wie «Gutschi» und «Wersatsche», die im Ohr zischen. Oder mit bildhaften Wortspielen wie dem kecken «Brust-Kasten», einem doppeltürigen Kästchen mit hervorstehenden Brüsten. Noch mehr solcher 3D-Comics erwarten den Betrachter, die Betrachterin in Amriswil: weisse Figurinen mit riesigen Händen und roten Brustwarzen; ein winziges Männlein, das zu Füssen einer eng gewandeten Frau sitzt - und im «Playboy» blättert; ein Jockey mit Gerte, der auf der Scham eines weiblichen Torsos hockt.

Heitere Absurditäten

Die Künstlerin hinterfragt Rollenbilder, untersucht den Kampf der Geschlechter mit nüchterner Parodie und mit einer Ästhetik, die nach innen gerichtet, aber nur scheinbar verträumt ist. Heitere Absurditäten zeigt sie uns mit giacomettidünnen Akrobaten, mit hochhackigen Krankenschwestern, mit weiblichen Kentauren, auf denen Männer reiten. Unbedingt anschauen.

Über der Installation der Zürcher Künstlerin Muriel Baumgartner schwebte am vergangenen Samstagabend in der Kunsthalle Arbon eine sonderbare Melodie. Da waren Geräusche - zirpende, kratzende, schleifende - und es klang, als drängen sie aus dem tiefsten Erdinnern herauf. Ein orchestrales Pfeifen und Schmatzen, Zirpen und Zupfen, das sich mit den Stimmen im Raum vermischte; Kinder hüpften zwischen den wuchernden Grünflächen. Der Musiker Marco Baumgartner schaffte mit seiner live in den Computer eingespielten Tonspur das «Hörstück» für die feinsinnig-poetische Arbeit seiner Schwester. (B.S.G.)

KONSTANZ. Wenn Musik und Text Hand in Hand gehen, entsteht eine Symbiose, die unzählige Momentaufnahmen des Unvergesslichen kreiert. So auch Sonntag im Ballsaal der Konstanzer Gaststätte Seerhein. Zu Lili Kellers 70. Geburtstag hat Frédéric Bolli sieben Gedichte aus ihrem Gedichtband «Flüstern im Wind» vertont und sie «Sieben Luftlieder» (Arie oder aria für Luft) genannt. Daneben war sein «Divertimento für Bläserquintett» erstmals zu hören. Das hochgelobte Miroir Quintett, bestehend aus Bläsern der Südwestdeutschen Philharmonie, verzauberte mit weichen Tönen, die sich trotz verschiedener Farben maximal vereinten. Darüber Barbara Zinnikers sanfter Sopran: langatmig, geradlinig, differenziert.

Natur und Seelenleben

János Stefan Buchwardt pickte sich sieben prägnante, expressive Textkreationen aus Kellers Werk heraus und trug sie einfühlsam vor. Ihre besonderen Wortspiele kamen zum Tragen, etwa wenn der Rosenkäfer sich nach der Rose sehnt: Bei dir will ich sein / schönster Strauch in deinem Bett. Die Steckborner Poetin knüpft an eine Tradition an, um sie weiterzuentwickeln: Wie Lyrik schon im Mittelalter gerne von der Natur auf das Seelenleben schloss, nimmt Keller das Stilmittel immer wieder inbrünstig auf: in einer modernen Echtheit, die zugleich intim wirkt.

Freie Struktur

Frédéric Bollis Vertonung ist eine sensible Massanfertigung. An die Tradition knüpfen barocke Aspekte an: Polyphonie, Imitationen und schreitende Bässe sind genauso zu hören wie rhythmische Muster, die sich über weite Strecken wiederholen. Gleichzeitig klingt es, genauso wie Bollis uraufgeführtes Divertimento, neuzeitlich und nach einer Mitte zwischen Stravinsky, Ligeti und Alban Bergs Frühwerk. Kellers prosaische Verse erwidert Bolli mit einer Freiheit in der Struktur, wie sie Opern-Rezitative kennen. Umso gewichtiger erscheint jedes Wort, umso mehr gelingt es ihm, die Stimmung zwischen den Zeilen herauszuschälen und kommende zu antizipieren.

Sarah und Basil Pirijok

FRAUENFELD. 47°33'39.87'' Nord/8°53'36.89''Ost. Das sind die Raumkoordinaten ihres bisher neuntägigen Wirkortes: Patrizia Vitali (*1982, Winterthur), Claudia Breitschmid (*1983, Zürich), Christoph Oeschger (*1984, Zürich), allesamt mit einem Bachelor in Fotografie, Antje Thiele (*1981, Zürich), zurzeit im Fotografie-Master, und Bettina Diel (*1975, Zürich), die Fine Arts im Master abgeschlossen hat.

Für alle fünf bildet der Ort, die Shedhalle im Eisenwerk, einen Rahmen, aus dem sie sich entfernen oder den sie übertragen. Ihnen auch gemein ist das Verfahren der Abstraktion in verschiedenen Qualitäten zwecks Annäherung an Realitäten.

In Raum und Zeit

Die Atelierzeit dauert noch bis 1. Juni. Bereits augenfällig sind etwa die intuitiven Raumzerlegungen von Bettina Diel aus runden Eisenstangen, denen sie analytische, gerade Holzinstallationen gegenüberstellt. Sie sucht den Widerhall in den Materialitäten. Mit Bildern von Frauen-Stereotypen Anfang des 20. Jahrhunderts aus dem Frauenfelder Bär-Archiv arbeitet Claudia Breitschmid. Dabei nähert sie sich installativ mit Hilfe von hintereinander gestaffelt wahrnehmbaren Bildfolien der Summe von individueller Erinnerung an, die dem Stereotyp eines Stereotyps gleichkommt.

Christoph Oeschger setzt eine Datensammlung von Reisebildern aus der Schweiz in Frauenfeld fort. Dabei interessiert ihn, wie für ein symbolhaftes Bild eine neue Wertigkeit generiert wird und wie von mehreren Bildwerten auf eine Symbolhaftigkeit geschlossen werden kann.

Mit dem Nichtraum setzt sich Patrizia Vitali auseinander, indem sie ihn definiert und sodann fotografisch inszeniert. Dabei problematisiert sie auch den Prozess ihres künstlerischen Schaffensprozesses.

Bildtheoretische Fragen

Zum Schluss Antje Thiele. Angesichts eines sich auflösenden Bildes stellt sie Fragen nach Abstraktion und Reduktion. Oder: Wie lange bleibt ein Bild bildhaft?

KONSTANZ. Ideale sind es gewesen, die Lars Rune Ekman mit seiner Frau nach Afrika getrieben haben. Den Afrikanern helfen, das Land auf die Beine stellen, kurzum: Gutes tun, das war es, was das junge Ehepaar wollte. Jetzt, 11 oder 14 Jahre später, die beiden sind sich nicht einmal mehr darüber einig, stehen sie vor einem Scherbenhaufen.

Grandioses Scheitern

Zynisch und desillusioniert anerkennen sie das Scheitern ihrer Bemühungen und das Scheitern ihrer selbst. 400 Brunnen haben sie gebaut, klägliche drei funktionieren. Doch die Brunnen sind nur ein Symbol für ein Versagen, das viel tiefer greift. Ihre Ehe ist zerbrochen, da ist mehr Trennendes als Verbindendes, sie halten es nicht mehr aus: miteinander und mit sich selbst. Abgeschottet von den Menschen leben sie hinter Mauern in ihrer Festung, behandeln ihren Nachtwächter und ihre Haushalthilfe wie Sklaven und sind froh, wenn ein Einbrecher erschossen wird - dann hat er sie nicht überfallen können.

Lars Rune und seine Frau sind gescheitert, an sich und an Afrika. Mit weisser Überheblichkeit blicken sie auf die Afrikaner herab, wollten ihnen europäische Denkmuster aufzwingen, europäische Werte vermitteln - erfolglos.

Die beiden stehen sinnbildlich für die westliche Entwicklungshilfe, die Afrika bemuttert und bemitleidet, statt zu respektieren; die Almosen verteilt, statt Hilfe zur Selbsthilfe zu bieten. Überdeutlich auch: Man will das eigene Ideal ausleben, will sich und anderen beweisen, dass man etwas Gutes tut. Um die Afrikaner geht es dabei absurderweise kaum, sie sind blosse Requisiten in einer tragischen Selbstinszenierung.

Afrika fehlt - und ist präsent

Passend dazu sagen Afrikaner im Stück kein einziges Wort - und sind doch omnipräsent. In Form der Tänzerin und Choreographin Angelika Thiele dringt Afrika ins Leben des Ehepaars ein, lautlos, aber nicht zu überhören. Afrika füllt ihre Wohnung aus, unterbricht ihre Diskussionen, beherrscht ihr Denken und ihre Ängste. Es ist der letzte Abend ihres Aufenthaltes in diesem fremden Land, der Nachfolger wird erwartet, Lars Rune und seine Frau warten auf das Ende, wohl wissend, dass sie einen Neuanfang nicht schaffen können. Zum erstenmal stellen sie sich den jahrelang unterdrückten Diskussionen - und sich selbst. Als der Nachfolger endlich eintrifft, schliesst sich damit einfach nur ein weiterer Kreis, eine weitere Endlosschlaufe: Alles wird weitergehen wie bisher.

Pia Donkel inszeniert mit «Antilopen» in Konstanz bereits ihr drittes Stück, und ihr ist ein grosser Wurf gelungen. Das Stück provoziert und zeigt schonungslos auf, wie Afrika von den westlichen Ländern, von uns allen, bevormundet wird. Und wie wir mit dieser Bevormundung auf Grund laufen. Ein bisschen von jedem und jeder steckt in Lars Rune und seiner Frau, wir alle haben schon Almosen nach Afrika überwiesen, irgendwelche Hilfsorganisationen beglückt, die mit traurigen Kinderaugen und aufgeblähten Hungerbäuchen auf Plakaten unser Mitleid erregt haben. Doch haben wir damit Gutes getan? Oder haben wir nicht viel eher Ablass geleistet? Die Münze im Kasten klingen lassen, damit wir unser schlechtes Gewissen vergessen können angesichts der krassen Ungleichheiten zwischen uns und ihnen? Sind wir wirklich so viel besser, wie wir leben?

Starke Darsteller

Getragen wird die Inszenierung von den Darstellern, die ihren Figuren eine beeindruckende Intensität verleihen. Die Gräben, die sich trotz vermeintlicher Nähe zwischen Lars Rune (Thomas Fritz Jung) und seiner Frau (Kristin Muthwill) auftun, sind beklemmend; trotz des Fehlens einer Pause hat das Stück keine Durchhänger und zieht das Publikum in seinen Bann. Angelika Thiele, obwohl wortlos und bis zum Schluss maskiert, setzt mit ihrem spannungsgeladenen Tanz die Stimmung des Stücks in Bewegung um und verkörpert absolut überzeugend den grossen, stummen Hauptdarsteller von «Antilopen»: den Schwarzen Kontinent.

«Antilopen» ist keine leichte Kost, aber ein dringend benötigter und hervorragend ausgeführter Denkanstoss für uns alle.

Bevor man sich versieht, hat der Verstand aus den einzelnen Teilen ein Bild zusammengefügt. Oft ein unvorteilhaftes, selten ein wahres. S. und F. können ein Lied davon singen. Die beiden sind seit eineinhalb Jahren ein Paar - trotz Facebook. Sie waren sich zwar sympathisch, kannten sich aber kaum, als sie auf Facebook Freunde wurden. Als sie sein Profil zum erstenmal anklickte, war S. geschockt. Sein Status lautete «verheiratet». Auf den Bildern suchte sie nach einer, seiner Frau. Da war auch eine. Gleicher Nachname und oft neben F. abgelichtet.

Sie dachte: Was für ein Depp, der a) so jung heiratet und b) trotz Ehefrau mit mir flirtet. Sie schaltete den Mac aus und ging an die Uni. In den zwei, drei Stunden, in denen sie offline war, machte sich F. ans Werk. Er änderte seinen Status in «Single», machte «seine» Frau zur Schwester und löschte peinliche Bilder. F. hatte Glück. Am Abend loggte sie sich erneut ein und wagte einen zweiten Blick. Dieser gefiel ihr schon besser.

Seit mir diese Geschichte er-zählt wurde, bin ich auf der Hut. Um mein neugieriges Ich nicht zu provozieren, kenne ich einen einfachen Trick: Ich frage nur noch nach dem Vornamen - und der Handynummer.

Wenn man sich gar nicht nach einer «echten» Oper sehnt, wenn eine Kombination von Theater, Oper, Schlager, Musical, Belcanto und Jazz nicht zu einem blossen Gag, sondern zu Musik- und Bühnenvergnügen allererster Qualität wird, dann ist man mittendrin in der Adaption der Giacomo-Meyerbeer-Oper «Die Afrikanerin», die Tobias Schwencke bearbeitet hat. Es geht in diesem Stück um die Geschichte des portugiesischen Seefahrers Vasco da Gama, der gleich zweimal von Frauen aus verschiedenen Kulturen «gerettet» wird; es geht, eben gerade weil die Adaption so gelungen ist, auch um Fremdheit, um die Sehnsucht nach fremden Kulturen, aber auch um ihr unverstelltes Aufeinandertreffen.

Ausgelassen und frisch

Die Inszenierung unter der Regie von Jasmina Hadziahmetovic nimmt sich das Beste aus der Oper ohne eben grosses Opernbrimborium. Und musikalisch wirkt das Einflechten von Jazzsoul, von Broadway-Duft, von Schlager und Liedermacherwelt so richtig kräftig, fröhlich, ausgelassen und frisch. Geht es in der «Afrikanerin» auch um die Entdeckung des Fremden an sich, gelingt es der Inszenierung mit einer fulminanten gesanglichen Schlussszene, auch verschiedene Gesangskulturen packend aufeinandertreffen zu lassen. Die Auftritte von Jazzsängerin Siggy Davis, ganz sicher die schwarze Königin dieser Bodenseenacht, und der wunderbare Belcanto Catrin Kirchners: Man wurde Zeuge zweier kraftvoll-virtuoser Stimmphilosophien.

Lausbübischer Seefahrer

Gesanglich ist auch Wieland Lemke als Sklave Nelusco ein weiterer Garant für hochstehenden Belcanto auf der historischen Fähre. Mit Ingo Biermann als Vasco da Gama agiert ein Seefahrer fast ein wenig in lausbübischer Manier. Gewitzt und frech benimmt er sich gegenüber den Inquisitoren. Sympathisch, wie Biermann weniger als Held der Weltgeschichte auftritt, sondern als neugieriger, abenteuerlustiger, verwegener Portugiese. Er gibt dem Abend schauspielerischen Drive, und seine Auftritte als Gitarre spielender Liedermacher sind Höhepunkte. Überhaupt begeistert diese Inszenierung durch fünf Schauspieler, die sich immer wieder gekonnt auch ins Gesangliche wagen. Da ist Ralf Beckord als bühnenpräsenter Gegenspieler von Vasco da Gama, da ist aber auch ein potentes Priester- und Inquisitoren-Trio mit den gern gesehenen Namen Frank Lettenewitsch, Otto Edelmann und Odo Jergitsch. Kraftvoll fungiert auch ein Chor von rund zwei Dutzend Mitgliedern, der stimmgewaltig auf beiden Seiten des Fähreaufbaus als integrativer Bestandteil des Bühnenbildes fungiert.

Herrlich geschmeidig bewegt sich ein quicklebendiges Musikerquintett (Riccarda Caflisch, John Eckhardt, Susanne Jablonski, Tobias Schwencke, Eva Zöllner)durch bunte musikalische Stilwelten. Diese Inszenierung hat nie Angst, vielleicht zu viel an Meyerbeers Original herumzuschnippeln, nein: sie schnippelt eben lustvoll daran herum, mit dem Ergebnis, dass man ganz viel intensiven Belcanto erlebt, der Stoff aufgelockert ist und auch ein wenig Klamauk und Kitsch tolle Ingredienzien für einen prallvollen Opern-Theaterabend werden.

Die «Afrikanerin» setzt einen lustvollen Akzent bei der Bespielung des Sees. Unter zehn Grad war es bei der glücklicherweise regenfreien Premiere. Aber Konstanz wurde so schnell und leichtfüssig Lissabon, dass man die Eisheiligen vergass. Diese Inszenierung ist ein lohnendes Frühsommer-Vergnügen!

«Es ist diese klitzekleine Sekunde, wenn die Nacht endet und vor Tagesanbruch, da herrscht perfekte Harmonie», eröffnet eine Stimme aus dem Off «Lust Life», einen Kurzfilm der Amerikanerin Lynda Tarryk. Wunderbare Cineastik voll von federleichter Poesie. Wenn die Strassen von Paris noch leer sind, die Stadt innehält. Wenn Protagonistin Madeleine zum Schluss die Kellnerin vom Café küsst.

Neuer Publikumsrekord

Für ihn sei «Pink Apple» jeweils eine tolle Gelegenheit, erstklassige Filme zu sehen, hält der städtische Kulturbeauftragte und Cinema-Luna-Programmator Christof Stillhard am Freitagabend zur Festivaleröffnung fest. Der grosse Luna-Saal ist fast ausverkauft. «Pink Apple», das grösste queere Filmfestival der Schweiz macht Frauenfeld mit einer Schweizer Premiere auf: «Noordzee, Texas», ein buntes Kleinod aus Belgien über einen 15-Jährigen, der die meiste Zeit in einer Strandkneipe namens «Texas» verbringt und sich in den Nachbarsjungen verguckt.

Mehrere «Pink Apple»-Vorstellungen in Frauenfeld sind ausverkauft. Und obwohl das Festival in Frauenfeld nur noch drei Tage dauert, sind fast doppelt so viele Filme wie 2011 zu sehen, nämlich 19. «Das neue Cinema Luna ist sehr gelungen und mit den zwei Sälen kommt nun auch richtiges Festivalambiente auf», sagt «Pink Apple»-Mediensprecherin Barbara Spirig. Schon letztes Jahr durfte sie eine markante Steigerung der Zuschauerzahlen feststellen. Und das «Pink Apple» wird in seinem Jubiläumsjahr in Frauenfeld einen weiteren Publikumsrekord erzielen können. Schon am Samstagabend sind die 500 Zuschauer von 2011 erreicht.

Zuerst Zürich, dann Frauenfeld

In Zürich läuft «Pink Apple» mittlerweile während zehn Tagen. Gegen 70 Vorstellungen gibt es zu besuchen, ein vielfältiges Rahmenprogramm ist inklusive. Ist «Pink Apple» nur noch in Frauenfeld, weil das Festival hier gegründet wurde? «Nein, auf keinen Fall. Das sentimentale Moment will ich nicht verneinen. Aber die Tage im Cinema Luna sind kein Müssen. Wir sind sehr gerne hier», sagt Barbara Spirig. Man plane auch in Zukunft mit Frauenfeld.

Viele Dokumentarfilme

In Sachen Filmauswahl braucht sich Frauenfeld in keiner Weise zu verstecken. Da wäre etwa «Alle Tijd» aus den Niederlanden über den schwulen Musiklehrer Maarten, der einem Betrunkenen Obdach bietet, und Maartens jüngere Schwester mit ihrem Tierarzt. Am Sonntag sind Kurzfilme - «Queerfeldein» - zu sehen gewesen oder starke Dokumentarfilme, etwa Rosa von Praunheims Porträt über Deutschlands erfolgreichsten Comiczeichner Ralf König. Eine grandiose Schau, die einem das Wasser vor Lachen aus den Augen treibt, ist der preisgekrönte Dokumentarfilm der TV-Journalistin Steffi Illinger über die schwulen Schuhplattler aus Bayern, die Schwuhplattler.

Sie wohnen, arbeiten im Thurgau, geniessen Ihre Freizeit. Ob hier aufgewachsen oder zugezogen: Sie verbringen viel Zeit in diesem als ländlich bezeichneten Kanton und haben sich davon ein breites persönliches Bild gemacht. Wenn Sie jemandem Ihre Liebe zum Thurgau mit Fotos zeigen wollten, was machte ihn aus? Worauf fiele Ihre Wahl?

Natürlich fangen Sie bei den blühenden Apfelbäumen an, jetzt im Mai. Der Blick von Hügeln auf einen gekräuselten Bodensee. Wiesen, die gelb sind von Blüten, saftig grünes Gras. Sanfte Hügel, der Seerücken früh am Morgen. Waldstücke, wo Licht sich mit allen Schattierungen von Blattgrün verwebt. Nebel, der von der Thur aufsteigt und die Landschaft so sanft macht, dass man sie beinahe vergisst.

Ihre Lieben, Ihr Leben: Lachen, Küssen, Welt berühren. Ihre Kinder auf buntem Plastikspielzeug durch gepflegte Einfamilienhauswiesen rutschend. Ihr bester Freund in Lederkluft auf der Ducati Streetfighter vor der «Seerose» in Uerschhausen. Arbons Innenstadt und ein iPhone in der Hand. Ihren Preis vom Winzerschiessen Sulgen. Goldenes Abendlicht. Sie und Ihre Freunde letztes Jahr nachts tanzend am europäisch grössten Hip-Hop-Open-Air in Frauenfeld. Der Blick aus dem Zugfenster kurz vor Romanshorn. Bauern, die aus fahrenden Autos geworfene McDonald's Verpackungen von Feld und Wiese einsammeln. Sie an der modernsten Maschine Ihres Arbeitgebers. Der Blick aus Ihrem Küchenfenster. Sie im Herbst auf Ihrem Pferd vor der Kartause Ittingen. Ein startender Rega-Helikopter in Nachbars Wiese. Der Sohn in Uniform. Ihr schönstes verwackeltes Foto vom Kreuzlinger Seenachtsfest. Sie mit saftiger Thurgauer Erdbeere…

Was habe ich vergessen? Ein Klick, ein Bild - gefällt mir!

Rahel Müller

WARTH. «10 000 Stunden» heisst die thematische Ausstellung des Kunstmuseums Thurgau, die sich mit der Bedeutung des Handwerks, der Meisterschaft und des Scheiterns in der zeitgenössischen Kunst auseinandersetzt. 10 000 Stunden entsprechen etwa fünf Jahren Ausbildung und beziehen sich auf die Zeit, die wir laut dem Soziologen Richard Sennett benötigen, um ein Handwerk richtig zu erlernen.

In der Ausstellung werden herausragende Werke von dreissig Künstlerinnen und Künstlern aus dem In- und Ausland präsentiert. Sie stellt die Frage, welche Funktion die Vorstellungen vom «Meisterwerk», aber auch des «Scheiterns» in der heutigen Kunst und Gesellschaft haben. (red.)

GOTTLIEBEN. Essays aus dreissig Jahren hat Jochen Kelter in seinem Buch «Der Sprung aus dem Kopf» zusammengetragen. Geschichten, die mit einer «fast schon altmodischen Eleganz der Prosa» bestechen, wie Moderator und Literaturhausleiter Stefan Keller in seiner Laudatio sagte. Kelter habe als «perfekt integrierter Aussenseiter einer Gegend ins Gesicht geschaut» und mit «Der Sprung aus dem Kopf» gleichzeitig auch einen Sprung in die Welt hinaus getan.

Texte, süffig wie guter Wein

In den vier Essays - drei davon neueren Datums -, die Kelter danach vorstellte, bewies der in Paris und am Untersee lebende Autor einmal mehr den Scharfblick, mit dem er die Welt betrachtet. Kelter beobachtet, Kelter kommentiert und hat eine Meinung, seine Texte sind süffig wie guter Wein, gespickt mit Ironie und, ja, nicht selten Wut.

Zorn dringt aus jedem einzelnen Wort, wenn Kelter beschreibt, wie wir «unsere Gegend wegwerfen», wie die Kreuzlinger Siedlungswalze sich ausbreitet und die Dörfer im Umfeld niedertrampelt. Er prangert die blinde Bauwut an, die weite Teile des Mittellandes verschandelt hat, mokiert sich über die in Kreuzlingen wuchernden Kreisel-Kunstwerke, die bar jeder Identität einfach nur den «irregeleiteten Geschmack von Kleinbürgern» repräsentierten, die doch an nichts ausser als an Profit zu denken imstande wären.

Identität ist denn auch als roter Faden auszumachen, der sich durch die vorgestellten Texte zieht. Kelter forscht den Ursprüngen seines Namens nach, findet in Paris in einer Gedenkstätte die Namen zweier jüdischer Kelter, die in Auschwitz zu Tode gekommen sind, und stellt gleichzeitig mit den schwer fassbaren Emotionen eine gewisse Erleichterung fest: die Erleichterung dessen, der nicht beteiligt, nicht dabei war.

Beidseits der Grenze

Identität ist auch das Kernthema seines Essays über Migration. Kelter, selbst wegen eines an der Uni Konstanz verhängten Berufsverbots in die Schweiz eingewandert und mit dem Wunsch, «nie wieder ins Reich zurückzukehren», hier wohnhaft, ja heimisch geworden, beobachtet Schweizer und Ausländer, wie sie in diesem Land aufeinandertreffen und sich reiben.

Und er plädiert für mehr Gelassenheit. «Ja, auch ich mag dieses platte, schnoddrige Deutsch nicht, mit dem jemand im Gasthof sein Essen bestellt», liest Kelter, betont aber: «Denkt daran, was Deutsche in der Schweiz alles geschaffen haben. Bührle, Gründer der gleichnamigen Waffenfabrik: ein Deutscher. Die Steckborner Bernina: gegründet von einem Deutschen.» Um mit feiner Ironie zu schliessen: «Wer weiss, was da noch alles Grosses zuzieht.» Kelter kennt beide Welten, als Weltenbürger ist er hier daheim, aber «ohne den Thurgauer Lehm an den Schuhen». Im Gespräch mit Stefan Keller erzählte er von seiner Liebe zur Bodenseeregion, die jedoch im November rasant schwinde. «Da bietet die Grossstadt Paris dann doch mehr Anregungen.»

Aus der Wut heraus schreiben

Nur diese Zuneigung kann wohl auch erklären, warum Kelter immer wieder seine Wut herausschreiben muss. Er regt sich auf über Betonwüsten, über Agglomerationen ohne Charakter und Identität, die weder Stadt noch Land sind, sondern einfach nur hässlich. Er nennt Kreuzlingen ein Sammelsurium von Häusern und Freiflächen, regt sich auf über Strassen und Autobahnen, die die Landschaft zerstören. Und er schreibt, schreibt an gegen diese Entwicklungen, die ihm nicht gefallen. «Beim Formulieren geht die Temperatur runter», sagt Kelter und schmunzelt leicht.

Was es seiner Meinung nach generell brauche, sei die «Fähigkeit zu sehen, zu spüren». Dass Jochen Kelter diese Fähigkeit in hohem Masse hat und seine Beobachtungen wie bereits vor 30 Jahren in einer «Prosa von fast altmodischer Eleganz» zu Papier bringt, hat er eindrücklich unter Beweis gestellt. «Der Sprung aus dem Kopf» vereint eine klare, pointierte Meinung mit einer wunderschönen Sprache, die mit einem ordentlichen Schuss Ironie zum Nachdenken anregt.

FRAUENFELD/KREUZLINGEN. Riesig ist das Angebot, das das Tanzfest nun zum sechsten Mal in 26 Schweizer Städten bereitstellt. Zwei Thurgauer Städte sind wieder dabei: Frauenfeld und Kreuzlingen. Warum nur sie?

Wir haben Daniela Schmid gefragt, Frauenfelder Tanzlehrerin und beim Tanzplan Ost dabei, die zum dritten Mal das Thurgauer Tanzfest organisiert. Sie seufzt: «Andere Orte haben fast nichts.»

Vernetzung mit St. Gallen

Das Phönix-Theater in Steckborn hat bei einem Tanztee mit Standardtänzen abgewinkt («zu viel Aufwand»), Weinfelden schaffe es, am längst feststehenden Datum des Tanzfestes einen eigenen Anlass zu veranstalten, die Oberthurgauer müssen in die Stadt St. Gallen pilgern, mit der das Thurgauer Tanzfest noch stärker vernetzt ist. Weil der Aufwand für das Tanzfest so gross ist, würde Daniela Schmid den Kreuzlingern am liebsten augenzwinkernd sagen: «Frauenfeld ist die Hauptstadt, das Fest findet hier statt.»

Der Auftakt mit einem Tanzfilm im Cinema Luna ist verklungen, morgen geht es richtig los. Die Tanzkurse à discrétion in beiden Städten sind etabliert und beliebt - was empfiehlt Daniela Schmid? «Jedes Jahr darf anders aussehen», sagt sie.

Überraschungen in der Altstadt

Den geführten Tanzparcours in Frauenfelds Altstadt etwa. Profis aus St. Gallen und der Ostschweiz halten Überraschungen mit ganz verschiedenen Stücken bereit; los geht's vor der Kantonsbibliothek. Ebenfalls zweimal gezeigt werden am Samstagabend zwei kurze Performances: «Endlos» mit Dis-Tanz (am 4. Mai war bereits «Hüllen» in Amriswil zu sehen) und «Spiegelbild», eine Zusammenarbeit zwischen Carmen Puccio vom Tanztheater Divertimento Aadorf und der geschützten Werkstätte in Littenheid. Wer Flamenco vorzieht, geht nach Kreuzlingen - und bekommt auch Steptanz, Jazz und Hip-Hop zu hören und zu sehen. Und wer die Tanzfotografien von Caroline Minjolle (Kulturstiftung) sehen will, muss nach Zürich.

Am Sonntag tanzen wir in den Mai! Landfrauen aus der Region richten einen Brunch, das Suma Covjek Orkestar spielt mit Balkanjazz zum Tanz auf.

BERN IST ÜBERALL

Sie sind poetisch. Sie sind politisch. Sie nennen sich «Bern ist überall» und erobern mit ihren Worten die Schweiz - die ganze, über alle Sprachgrenzen und Generationengräben hinweg, seit neun Jahren. Die wohl grösste und wichtigste Spokenword-Formation der Schweiz tritt in der Provinz und in Grossstädten auf, an Jahresversammlungen und in Trendlokalen, vor Schulklassen und Parlamentariern, in der Westschweiz, in der Deutschschweiz und im Ausland. Sie sind viele und werden immer mehr, und schon längst kommen nicht mehr alle aus der Hauptstadt, sondern auch aus Lausanne, Genf, Zürich und der rätoromanischen Surselva. Und mit Michael Stauffer ist auch ein Frauenfelder Sprechhals dabei.

Dem Wort eine Bühne: Das war und ist die Idee von «Bern ist überall». Im Zentrum des Programms stehen zwei Autorinnen und sieben Autoren, die das gesprochene Wort als eine Art Performance zusammen mit Akkordeon, Bass oder Perkussion darbieten. Meist tritt «Bern ist überall» in einer Vierergruppe auf - heute abend sind dies Arno Camenisch, Beat Sterchi, Gerhard Meister und Margrit Rieben.

Einer Kammer-Jazzformation gleich, geben drei Autoren und ein Musiker ein Sprachkonzert. Selten bis nie treffen die gleichen Autoren und Musiker aufeinander. Daher ist jeder Auftritt eine kleine Premiere und ein einmaliges Ereignis. Jeder der Autoren trägt auf seine Weise zum sprachlichen Reigen bei: mit Geschichten aus dem Alltag, skurrilen Kurz-Epen, wunderbar schräger Lyrik oder einem musikalisch onomatopoetischen Text, der die Wörter wiederholt und variiert. (red.)